Cannes 2024 : Avec une partition qui tue et des visuels époustouflants, ce film descend dans les ténèbres

Dès les premiers instants du film délicatement obsédant « La Fille à l’aiguille » (intitulé « PIGEN MED NÅLEN » en danois), des visuels en noir et blanc d’une beauté cauchemardesque sont rendus encore plus macabres et fascinants par une partition stellaire. Racontant l'histoire tragique d'une femme essayant de survivre à la cruauté occasionnelle d'une société vivant dans l'ombre de la Première Guerre mondiale, c'est une expérience subtilement dévastatrice qui oscille au bord de l'horreur totale avant de plonger complètement. Si vous vous retrouvez plongé dans les terreurs silencieuses du film, il apparaît comme une œuvre évocatrice et impitoyable, face à une obscurité grandissante qui a le pouvoir de vous engloutir tout entier. Une fois que c’est fait, il commence à descendre encore plus loin.

Présenté mercredi soir en compétition au Festival de Cannes 2024, le dernier film du réalisateur Magnus von Horn est son premier à nous faire voyager dans le temps. Ses traits passés ont toujours porté sur des expériences plus modernes, mais cela puise dans quelque chose de plus terrifiant et intemporel. Dans un scénario qu'il a co-écrit avec Line Langebek Knudsen, nous sommes plongés dans la vie tumultueuse de Karoline alors qu'elle se retrouve à essayer de garder la tête hors de l'eau.

Parfaitement jouée avec un équilibre viscéral par Vic Carmen Sonne, elle n'arrive tout simplement pas à faire une pause. Dans la toute première scène, elle est expulsée par son propriétaire qui, malgré ses inquiétudes quant à sa gentillesse, la jette toujours à la rue. De plus, son mari a disparu alors qu'il servait à la guerre. Lorsqu'elle noue une relation avec son patron soi-disant aimant et tombe enceinte de son enfant, lui aussi l'abandonne sous la pression familiale.

Tout change ensuite lorsqu'elle rencontre la mystérieuse Dagmar, qui dirige une agence d'adoption secrète dans son magasin de bonbons destinée apparemment à aider les femmes sans options. Jouée par une formidable Trine Dyrholm, elle est une opératrice pragmatique qui parvient toujours à convaincre Karoline. Bien que leur relation soit initialement transactionnelle, elle devient vite plus épineuse. Ni l’un ni l’autre n’est parfait, mais ils semblent avoir trouvé une compréhension commune du fonctionnement du monde. Il y a peu de salut dans la vie, mais ils peuvent espérer le trouver dans l’autre.

Très vite, les vies du duo se soudent. Karolina joue à la fois le rôle de nourrice et de compagne de Dagmar, allaitant les bébés qui leur restent un jour tout en allant au cinéma un autre. Il devient vite évident que ni l’un ni l’autre n’a vraiment personne d’autre vers qui se tourner pour obtenir de l’aide. Karoline a certes un passé qui frappe à la porte, mais Dagmar reste plus impénétrable. Elle a une jeune fille dont elle s'occupe, mais tout le reste est flou. Lorsque cela sera mis en lumière pour Karoline, tout ce en quoi elle a mis sa foi pourrait bientôt être emporté et la noyer avec.

Il est préférable de laisser les détails de cette révélation vagues pour préserver l’expérience visuelle, mais il existe une histoire dont s’inspire le film qui peut être reprise par ceux qui connaissent certains noms. Cependant, plutôt que d'être une sorte de drame historique morne, « La Fille à l'aiguille » est un film formellement fascinant avec des visuels audacieux et une musique qui mérite d'être louée.

Le directeur de la photographie Michal Dymek, qui a déjà travaillé sur le prochain film spectaculaire « A Real Pain », transforme chaque image en une image riche et vivante, même si la mort approche. La façon dont même les décors les plus élémentaires, qu'il s'agisse d'un appartement confiné ou d'une sinistre performance scénique dans une tente, sont capturés ici est tout simplement époustouflante. Vous pouvez sentir toutes les facettes du monde en construction, garantissant que tout s'avère étouffant même si c'est beau à voir. Lorsqu'il danse vers le plus éphémère via une série de plans récurrents de visages changeants, Dymek ne manque pas un battement et, avec l'excellent montage d'Agnieszka Glinska, rend le tout stupéfiant.

Ceci est ensuite rendu encore plus mémorable par une partition propulsive et pétrifiante du compositeur Frederikke Hoffmeier qui divise tout à l'écran à chaque fois qu'il se lève. C'est une partition qui exige que vous la remarquiez et qui gagne à chaque instant, donnant l'impression que les visuels sont évoqués depuis les profondeurs de quelque part encore plus profond de la psyché. Tout comme la façon dont Mica Levi est devenu connu pour avoir créé des compositions qui insufflent à chaque image quelque chose de distinctement et d'éthéré effrayant, il s'agit d'une partition qui ressemble à quelque chose qui lui est entièrement propre. Hoffmeier assure que tout est d’autant plus obsédant que chaque note a une résonance effrayante.

Quand tout cela revient ensuite à Dyrholm et Sonne, tous deux opèrent sur la bonne longueur d'onde pour ancrer ces prouesses techniques dans les émotions de leurs personnages. Même si on a presque l'impression qu'on aurait pu passer plus de temps à la fin à laisser les choses s'attarder, les derniers instants que nous passons avec eux en disent long. Chacun incarne pleinement et complètement ses personnages même si le film peut les tenir un peu à distance de nous à des moments clés.

Une grande partie de cela est nécessaire, car la révélation clé ne peut arriver que si nous sommes nous aussi tenus dans le noir, et le duo ne les laisse pas les empêcher de nous plonger au cœur même de chacun d'eux. Quand tout est enfin mis à nu, l’immense agonie est ancrée dans deux personnes perdues dans une vie qui elle-même semble déséquilibrée. Ils se retrouveront peut-être, mais, comme cela était inévitable dans un monde désormais défini par de telles souffrances, la perte qui s’ensuit est encore plus grande.